Light & Shadow / 光與影

個人評分：8/10
美國導演約翰法蘭肯海默（John Frankenheimer）第二部政治驚悚片，故事描述寇克道格拉斯（Kirk Douglas）飾演的上校懷疑自己的鷹派上司企圖發動政變，因此全力展開調查。如同前作《諜網迷魂》（The Manchurian Candidate，1962）一樣，本片反映了冷戰時期的狀況，這次影射的是甘迺迪總統與蘇聯簽署的【部分核禁試條約】（Partial Nuclear Test Ban Treaty），雖然當時緩和了美蘇兩國的冷戰對峙，不過卻引起鷹派人士的不滿。與《諜網迷魂》相比，《Seven Days in May》顯得沒那麼風格化，不過從劇情角度來說，《Seven Days in May》的故事無疑更具有較高的可信度，而且故事情節層層推進，扣人心弦，沒有像前作一樣會有些讓人感到冗余的地方。影片以變節將軍策劃政變為題材，不過整部片並沒有槍林彈雨的場面，更多的是通過單純的角色對話來製造張力，即使沒有任何動作仍然驚心動魄，這在今日的好萊塢恐怕已經很難見了。畢蘭卡斯特（Burt Lancaster）霸氣十足，是鷹派將軍不二人選，最後跟總統對質的場面成為影片裡其中最深刻的一幕；當然，飾演總統的佛德烈馬區（Fredric March）同樣功勞不小。基於影片純粹是陽剛至上的男人群戲，艾娃嘉娜（Ava Gardner）自然沒太多的戲份，不過至少不會像《諜網迷魂》裡的珍妮李，一樣是可有可無的角色但戲份多到有點讓人納悶。
預告：

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個人評分：8/10
改編自1959年李察康頓（Richard Condon）的同名小說，記得第一次看的時候覺得故事有趣但有點過時，戲裡的亞洲人帶有舊時好萊塢電影的「傅滿洲」形象，不過這一次重看感覺自己在這方面的接受度明顯提高了。故事的精采自不待言，不僅曲折離奇，也隱射了麥卡錫（Joseph R. McCarthy），諷刺了美國右派，構思相當巧妙；另外，影片裡的母子愛恨情仇情節也很有弗洛伊德的色彩，英年早逝的勞倫斯哈威（Laurence Harvey，1928─1973）演活了一個失去靈魂的兒子角色，而入圍奧斯卡最佳女配角的安潔拉蘭斯貝瑞（Angela Lansbury）飾演的伊瑟林太太絕對是影史上最經典的母親之一。雖然戲中的「洗腦」情節從現在眼光來看或許有點兒戲，不過導演約翰法蘭肯海默（John Frankenheimer，1930─2002）透過場面調度以及廣角鏡頭的運用，拍出了迷幻的感覺，尤其是片裡的夢境場面，以蒙太奇將夢境與現實交織融合，相當了不起。影片的精采會讓人忽略到影片的一些缺陷，像是珍妮李（Janet Leigh）實在是個可有可無的角色，存在的目的也無非只是想讓男主角法蘭克辛納屈（Frank Sinatra）身旁有個女人罷了。
2010年重新上映版預告：

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個人評分：8/10
相當強而有力的作品。兩個時空敘事的切換相當嫻熟，情感的釋放也拿捏精準，以冷靜的調子反映宗教、種族衝突，足以讓人忘記自己其實在觀看一部充滿奇情、煽動元素的希臘悲劇；到了真相大白的一刻，筆者倒也沒有感到太震驚，反倒是內心有一種平淡而細膩的哀傷。
導演丹尼維勒納夫被許多人稱為「新一代的大衛芬奇」，筆者也覺得他低調但精采的場面條度值得一提，光是開頭三分鐘足以見其功力，營造出舒緩但帶著不安的氛圍，再搭上諷刺味十足的Radiohead歌曲You and Whose Army，能成為近年影壇最讓人期待的導演也不足為奇。
中文預告：

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以 1960年代的廣告業為背景、廣受好評的熱門電視劇《廣告狂人》（Mad Men）就要迎來它的最終季了，紐約的動態影像博物館 （Museum of the Moving Image）為此舉辦了一個展覽，除了展現《廣告狂人》的服裝、道具、美術設計之外，也播放了《廣告狂人》監製 / 編劇馬修韋納（Matthew Weiner）要求演員與拍攝組必須觀看的十部電影。以下是來自於電影網站Indiewire的完整片單，以及馬修韋納個人的講解：
《北西北》（North by Northwest，1959）
 
『這部電影之所以對於《廣告狂人》影響之大，是因為這部電影是在紐約拍攝的，也正是《廣告狂人》第一季的地點。雖然《北西北》比我們想要模仿的還要 風格化，我們覺得影片中的低角鏡頭與現代感很符合我們想要的美觀。我曾經在南加州大學（USC）電影系很深度地研究此片，而且吸收了影片中「普通人捲入不 同尋常事件」的劇情架構。還有必需要指出來的一點：由卡萊葛倫（Cary Grant）飾演的主角羅傑，他的身份設定就是個假扮別人身份的廣告人。』
《公寓春光》（The Apartment，1960）
 
『我第一次看這部電影的時候我還在電影學院，當時我徹底被這部電影的活力劇本以及影片中非常消極的男主角──傑克李蒙（Jack Lemmon）飾演的巴克斯特──給征服了。這絕對是那個時代的故事，呈現當時曼哈頓裡的普通小男人如何做出毫無底線的事來，也代表了我對於公司裡的政治遊戲與性別衝突的看法。它幾乎是不費力氣的將喜劇與悲劇情節結合在一起。』
《藍絲絨》（Blue Velvet，1987）
 
『里程碑一樣的傑作，這部作品對於我們那個年代的影響是絕對不能低估的。我在大學即將畢業時看了這部電影，之後不久就申請了電影學院。你很難將《藍絲絨》分類，它有犯罪懸疑，是黑色電影（film noir），又是黑色喜劇，最後還是個青少年轉大人（coming-of-age）電影，幾乎每換一個場景就換了一種類型。這是一部風格多元，擁有複雜心理元素的片子，它描述平凡世界的恐怖時又向媚俗的1950年代的致敬。』
《美女們》（Les Bonnes Femmes，1960）

『我第一次看《美女們》的時候是在電影學院，我與《廣告狂人》的美術執導分享了這部戲，因為它是在巴黎的街頭拍攝的，只加上一點點潤色，而這正是我們想要創造的。這個故事的主題也非常好，描述了四個無聊的職業女性因為她們的浪漫情結而誤入歧途。我最喜歡的一段──有點像是整個故事的後記──一位無名的女人直接望著鏡頭，直視著觀眾。』
《Patterns》（1956）
 
『我第一次看這部電影版（改編自1955年的電視劇場作品）是在中學的時候，當時我因為生病在家裡休息。編劇洛德瑟林（Rod Serling）寫出令人心寒的高潮戲，讓我無法忘記。我們常常回顧這部作品，試圖捕捉真實辦公室的生活，描述那種名聲與野心的衝突，以及在公司新舊交替，老一輩被迫靠邊站的心情。』
《Dear Heart》（1964）
 
『碰巧地看了這一部，終於讓我執筆《廣告狂人》首集的劇本。我被這部描寫當時對性的一種隨意態度的主流好萊塢電影給吸引住了。透過一位花心單身漢主角與一名相當保守的中年女人，影片以喜劇風格講述了一個道德故事。當主角葛倫福特（Glenn Ford）試著改變自己的生活，並且為一場無意義的感情負責時，我找到了《廣告狂人》故事的起點。』
《迷魂記》（Vertigo，1958）
 
『這一部當年上映的時候口碑不佳，而如今已成為影史上最偉大的影片。當我們要開拍第一季時，我還沒有看過《迷魂記》，不過在完成第一季之後終於找到機會補看它。我被這部電影的精美與神秘震撼，每一處細節都令我著迷。我記得當我看到攝影機特寫拍攝金露華（Kim Novak）頭髮的那一幕，當時我就在想，「這就是我們想要達到的」。《迷魂記》給我的感覺，就好像是在看著一個人的夢境。』
《單身漢聚會》（The Bachelor Party，1957）
 
『改編自1953年的電視劇場作品，這部戲讓編劇派迪查依夫斯基（Paddy Chayefsky）和導演狄爾柏特曼（Delbert Mann）再度合作，他們之前曾合作過奧斯卡最佳影片《馬蒂》（Marty，1955），那種痛苦的現實主義在《光棍俱樂部》裡也得到了延續。當時很流行這種描寫放浪形骸單身漢的作品，但是《單身漢聚會》去除了男性情誼的陳腔濫調，探討了男人之間的彼此忠誠與各自獨處的問題。』
《冷暖群芳》（The Best of Everything，1959）
 
『改編自1958年的暢銷小說，非常風格化、充滿大卡司，這一部成為《廣告狂人》首集的參考對象。雖然我覺得影片在感官上而言很炫目，故事很通俗劇，但是它赤裸裸刻劃了當時紐約都會女子的真實面，呈現職場女性的辦公室生活與要面對的感情的波瀾。就像那個時候的電影，《冷暖群芳》反映了現實──我們的角色一定有看過這一部戲，而且這一部戲一定也影響了這些角色對生活的期待。』
《The Americanization of Emily》（1964）
 
『我第一次看這部電影的時候我還在電影學院，吸引我的是編劇派迪查依夫斯基附有節奏感的諷刺台詞，以及影片中的反戰情緒──這在二戰盟軍觀點來說是很少有的。影片中油腔滑調、花花公子主角查理（詹姆斯葛納 飾）被迫去當英雄的情節，影響了我們描述那個年代普遍男性的內心思想，以及那種對人生的荒謬感。』
原文報導：10 Movies Matthew Weiner Assigned As Required Viewing For The 'Mad Men' Cast & Crew

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曾獲戛納電影節金棕櫚大奬、威尼斯電影節金獅奬和終身成就奬的義大利導演法蘭西斯柯羅西（Francesco Rosi）於今年一月因支氣管炎而逝世，享年92歲。雖然很多台灣觀眾沒聽過羅西這個名字，不過當我們提到義大利電影史時，羅西是不可或缺的，他不僅是意大利新現實主義重要成員之一，還是少數幾個會勇於揭露義大利政治黑幕的導演，對好萊塢名導馬丁史柯西斯、奧立佛史東等人影響深遠。
法蘭西斯柯羅西生於1922年的那不勒斯，在二戰期間學習法律系，之後成為兒童書籍的插畫師，也在《那不勒斯廣播》擔任記者。1946年開始接觸舞台劇，兩年成為導演維斯康提（Luchino Visconti）的助理，參與《大地震動》（La Terra Trema，1948）和《戰國妖姬》（Senso，1954）的拍攝，並且為維斯康提編寫《Bellissima》（1951）。1958年，羅西執導了《挑戰》（La sfida），開始他了的導演生涯。
要討論羅西的創作，必須要提起二次大戰後最重要的電影運動之一──義大利新寫實主義（Italian Neorealism）。由於墨索里尼（Mussolini）的垮台造成社會動盪與經濟蕭條，義大利電影業也受到影響，面臨幾乎崩潰的困境，無法拍攝先前流行的豪華史詩鉅片與描寫富裕生活的「白色電話電影」（white telephone films）。許多已反映現實為主的低成本製片應運而生，充滿社會主義思想與人道關懷。羅西首部導演作品《挑戰》便是典型的新寫實主義電影，講述一名年輕人在那不勒斯地區拒絕與當地的黑手黨合作，並且試圖打破黑手黨對該地區蔬菜水果供應的控制和支配。從這部戲已經可以看到他日後作品的影子，一種企圖維護社會正義、不平而鳴的精神。

 
圖：《龍頭之死》海報

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個人評分：8/10
在近年眾多新興導演之中，J.C.陳多爾（J.C. Chandor）的名字可能比較少人會留意到。他的前兩部電影是兩個不同類型的故事：《黑心交易員的告白》（Margin Call，2011）是一部充滿大量角色與對白，背景設在華爾街的劇情片；而《海上求生記》（All is Lost，2013）則是一部幾乎完全無對白的現代版【老人與海】。陳多爾藉著這兩部片展示他在選擇題材與演員的眼光，而最新作品《暴力年代》是否有延續這些優點？
片名源自於故事背景年份——1981年——紐約史上最黑暗、最腐敗的一年。艾柏莫拉雷斯（奧斯卡伊薩克飾）是一名成功的移民者，在紐約市經營石油運輸公司。當他成功爭取一項協議時，艾柏得知自己即將被地方檢察官（大衛歐洛沃飾）起訴；同時，躲在暗處的競爭對手也伺機而動…
陳多爾在兩部前作裡都以「生存」為主題，而《暴力年代》則可以被視為這個主題的延續，然後再加上《教父》（The Godfather）的元素，描述一個背景並不單純的生意人，試圖去做合法生意時卻被迫面對步步逼近的敵人。本片以大時代為背景，但故事本身格局其實不大，觀眾在大部分的時間都在跟隨著主角艾柏，觀看他如何面對會威脅他事業的危機。在惡劣的環境下，艾柏一個人帶著尊嚴和原則做最後的搏鬥，在深陷危機時，他更顯得只是一名有血有肉的普通人，而非欲要反撲的狠角色。雖然片名為《暴力年代》，不過影片裡並沒有什麼暴力場面，或許會讓期待觀賞充滿火拼場面的犯罪電影的觀眾感到失望。
陳多爾對情緒的鋪成很有一手，處理文戲的手法讓筆者想起已故大師薛尼盧梅（Sidney Lumet）；劇本雖稱不上新奇但相當紮實，還運用了兩個角色與艾柏形成耐人尋味的對比。第一個角色是運油車司機胡立安，同樣都是移民者，只是艾柏擁有了胡立安夢寐以求的一切。胡立安也想要往上爬，脫離自己藍領的身分，可惜最後事與願違。另外一位與艾柏形成對比的角色則是艾柏的妻子安娜（潔西卡雀絲坦飾）。艾柏是理想主義者，他想要藉由合法的手段來實現自己的美國夢；安娜是現實主義者，她考量的是現實，還強迫艾柏改變自己的原則。這對夫妻之間隱藏的角力，其實比影片的《教父》情節更吸引人。
不可否認，這部電影在技術上很成功。就像之前提到的，影片不僅在劇情上有《教父》的影子，就連攝影都讓人想起攝影大師高登威廉斯（Godon Willis）的溫暖色調。《暴力年代》雖以文戲主導，但影片裡仍然有幾場頗有力道的追逐戲，似乎陳多爾想要特地向經典警匪片《霹靂神探》（The French Connection，1971）致敬。奧斯卡伊薩克的氣質很有當年艾爾帕西諾的感覺，他與潔西卡雀絲坦的對手戲，為平實的敘事加分不少，只是以他的口音去演一名移民者對筆者來講實在有點缺乏說服力。
雖然已經是第三部作品，《暴力年代》讓人覺得導演陳多爾仍在探索自己的風格。筆者坦言欣賞《暴力年代》這部很有復古味的作品，甚至覺得它比起頒獎季節許多投機的平庸作品來的有勁多了。

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個人評分：8/10
在外表看來，《暗黑冠軍路》似乎只是部運動員傳記電影，只是與同類型的其他電影相比，它既不熱血也不勵志。導演班奈特米勒（Bennett Miller）至今為止的三部片子都是改編真實故事，而且都有一個可以相當獨特的切入點。《暗黑冠軍路》延續了《柯波帝：冷血告白》（Capote，2004）的冷峻風格，是部異常冷靜克己和情緒壓抑的電影。
活在哥哥戴夫（馬克魯法洛飾）陰影之下的摔角選手馬克舒茲（查寧塔圖飾）加入由富豪約翰杜邦（史提夫卡爾飾）所組的運動團隊「狐狸捕手」，接受1988年漢城奧運的訓練。然而，兩人間的關係在數年間悄悄發生變化...
影片整體步調緩慢，可以看得出導演注重的不是步調，而是劇中的人物。《暗黑冠軍路》是部非常相當刻意的電影，導演刻意在影片中安排許多沉靜的場面以襯托劇中主角們的心理狀態，營造出壓抑的氣氛。雖然是個難以置信的真實故事，不過編導將戲劇元素減到最低，並沒有具體解釋造成三個男人最後悲劇命運的原因，反而是呈現著十年時間里三人情緒的細微變化，讓觀眾從一鱗半爪中可以得知些許端倪。
在導演的安排下，整部片更像是部紀錄片，從影片的開始電影就由一組真實的歷史檔案片段組成，再直接進入男主角馬克的世界，期間沒有任何旁白、背景音樂，只是客觀的呈現。不過有趣的是，與許多的「偽紀錄片」不同，除了幾個場面用上了手搖式鏡頭，整部片基本上都是穩穩的固定鏡頭，不動聲色、不加修飾，在筆者眼中反而大大勝過那些刻意運用大量手搖式鏡頭以追求實感，卻讓人感到失真的電影，譬如保羅葛林葛瑞斯（Paul Greengrass）的《神鬼認證：神鬼疑雲》（The Bourne Supremacy，2004）與《怒海劫》（Captain Phillips，2013）。另外，全片除了一些地方用上了簡單的鋼琴曲，導演刻意不用任何音樂，除了增加影片的實感，壓抑空虛感也因此更進一步。
導演把精力放在人物和故事上，所以絕對需要好演員來撐場。本片的三位主演可以說是都獻出了出色的表演。許多媒體都把關注點放在想追求轉型的史提夫卡爾身上，而他的演出也配得大家的掌聲（即使有點太過依賴特效化妝），但馬克魯法洛也不是省油的燈，筆者其中最喜歡的一幕是戴夫在攝像機鏡頭前不知所措，不知道如何演戲聲稱杜邦是自己的導師。至於對筆者來說實在是不怎麼討喜的查寧塔圖，導演巧妙運用了他的特質，恰到好處的內斂表現也證實自己的實力。
《暗黑冠軍路》沒有入圍奧斯卡最佳影片不會令人驚訝，這不是一部容易讓人接受的電影，劇情節奏緩慢，情緒又相當地壓抑，不過希望大家不要因此錯過這麼有個性的電影吧。

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個人評分：7/10
對許多台灣影迷來講，也許沒有太多的事情會比美國導演保羅湯瑪斯安德森（Paul Thomas Anderson，以下簡稱P.T.安德森）的《性本惡》被取消在台灣戲院上映還要感到洩氣吧？以《黑金企業》（There Will be Blood，2007）成為當代美國最偉大導演的P.T.安德森，每當一有新作都成為影迷們的年度盛事；他這一次改編後現代主義作家湯瑪斯品瓊（Thomas Pynchon）的作品，自開拍起便一直為大眾所關注著。相信大家最感興趣的，無疑是：《性本惡》是否可成為P.T.安德森另一部大師之作？
在1970年的加州，私家偵探多克（瓦昆菲尼克斯飾）重遇前女友莎斯塔（凱薩琳沃特森飾），從她口中得知她的現任情人──某一地產大亨──將會被送進精神病院然後被人吞掉其財產；不料，隨後前女友和大亨一起神秘失踪…
首先，筆者必須在這裏承認：《性本惡》注定是一部不會被大多數觀眾所認可的電影。雖然與P.T.安德森前兩部作品相比，《性本惡》的劇情比較沒那麼沈重，步調也是相當的明快；不過，筆者相信，即使再用心的觀眾在觀看本片時試著要 follow影片的劇情，到最後也可能只會感到一頭霧水，不知道自己在看什麼。
如果要將《惡本性》歸類的話，它是一部黑色電影（film noir）。黑色電影是1940年代至1950年代末的好萊塢偵探片，這類型電影的情節與精神來自於美國硬漢派偵探小說，注重於強調善惡劃分不明確的道德觀。就像其他經典的黑色電影一樣，《性本惡》的故事圍繞一名私家偵探，被迫對抗一個集體的黑暗力量（政府、警察和幫派），而在整個過程中，毒品、貪腐、兇殺等元素躍然而出。
不過，如果觀眾只是將本片當作一部帶有喜劇的黑色電影的話，那就大錯特錯了。品瓊以寫晦澀複雜的小說著稱，作品裡無厘頭與嚴肅並存，《性本惡》也不例外。如果觀眾在觀看本片時覺得故事太過複雜、人物的關係混亂無比的話，其實不用擔心，因為這正是這個故事的目的：嘲笑黑色電影往往都必須存在的「陰謀論」。當最經典的硬漢派偵探小說《夜長夢多》（The Big Sleep，1946）要被好萊塢改編的時候，由於劇情太複雜，編劇弄不清其中有一樁謀殺是誰幹的，就打電話給原作者錢德勒。結果，錢德勒承認他也不知道兇手是誰。所以，從這個角度來看，《性本惡》其實很像柯恩兄弟的《謀殺綠腳趾》（The Big Lebowski，1998）：一方面它有黑色電影的架構；但在另外一方面它又是一部帶有點戲仿味的解構電影（deconstruction），企圖嘲弄黑色電影。
當然，這一種嘲弄黑色電影的方式作為一個概念是不錯的，只是在執行上，筆者覺得《性本惡》並沒有達到預期的效果。戲裡發生一段又一段的奇事，雖然其中很多角色與事件都有一定的娛樂性的，但是筆者覺得太多、太密了一點，在觀眾面前一閃而過而無法留下太大的印象。影片發展下去，無論是主角多克在辦案，還是某某角色是否有在某處對某人做了某件事情，都變得無關緊要。更糟的是，影片中的陰謀反而被邊緣化了，最後還了草地結束。既然整部片試圖嘲笑「陰謀論」，那解謎的過程就應該與主角的遭遇一樣重要吧；而且，在解謎過程中，還應該讓觀眾意識到整個故事就是應該要這麼刻意地複雜。影片沒有做到這一點。身為美國當代最偉大導演，筆者相信P.T.安德森應該可以處理得更好，可以用另一個更聰明、幽默的方式讓故事裡的陰謀揭曉，而非只是依賴戲中人物的口頭描述。
整體而言，《性本惡》給予筆者的感覺是一個《不羈夜》（Boogie Nights，1997）時期的P.T.安德森題材配上《黑金企業》時期的P.T.安德森風格。在筆者另一篇文章有提到，P.T.安德森自《戀愛雞尾酒》（Punch-Drunk Love，2002）便減少史柯西斯的影像言語與節奏，轉換成庫柏力克式的緩慢風格；不過，筆者認為P.T.安德森這種新風格比較適合用在要讓觀眾觀察主角內心的character study，如《黑金企業》與《世紀教主》（The Master，2012），所以很大程度上必須依靠影片所描繪的人物本身，如果這個角色是單一的扁平人物就不會有太大效果。多克還不至於是扁平人物，不過比起《戀愛雞尾酒》裡對愛情充滿渴望的怪咖，《黑金企業》裡心狠手辣的石油大亨，還是《世紀教主》裡心理受到創傷的二戰退役士兵，多克已算是沒有太多內心衝突的簡單角色了。P.T.安德森使用他拍攝《黑金企業》與《世紀教主》的手法來拍《性本惡》，其實不算是太明智的決定。
如果真的要拿《性本惡》跟P.T.安德森其他作品比較的話，筆者會選《戀愛雞尾酒》，因為這是他舊作裡唯一稱得上是喜劇的一部。但筆者不認為《性本惡》有完全發掘出其喜劇潛力，有些部分的幽默並沒有達到該有的效果。當然，有些地方是真的挺搞笑，即使有點無厘頭；但是有些地方，就真的讓筆者有點無所適從，不確定P.T.安德森是要觀眾去笑，還是要觀眾去感受影片中的戲劇。
當然，影片裡有許多值得讚賞地方，如P.T.安德森仍然展現他對華麗鏡頭運用與情緒的掌控。P.T.安德森是近幾年少數還堅持用膠卷電影拍片的導演，膠卷電影特有的質感讓影片裡的加州呈現出1970年代的迷幻味；相比之下，近年許多同樣把故事背景設在1970年代但採用數位攝影拍攝的電影都顯得太假了。另外，P.T.安德森老搭檔強尼格林伍德的配樂保持一貫的驚艷，低調之餘又能嗅到當年的民謠樂風。
另外一個值得讚賞地方，便是演員的演出了。《性本惡》卡司陣容相當堅強，每位演員都有出色的演出。演多克的瓦昆菲尼克斯，舉手投足都盡顯人格魅力。當《性本惡》幾年前被宣布開拍時，小勞勃道尼曾被傳言是主角人選，雖然這會是個很棒的人選，筆者很難想像他會勝過瓦昆菲尼克斯。喬許柏林飾演的警探則充滿了爆炸性，筆者喜歡他與瓦昆菲尼克斯之間的互動，只是他們的關係有點莫名其妙，這一秒他們是朋友，但在下一秒又變成敵人，一直在兩個極端之間擺動。凱薩琳沃特森雖然戲份不多但相當搶鏡，其中一段獨白戲相信男性觀眾會看得非常入神。
如果你是P.T.安德森的粉絲，自然不會想錯過這部新作，說不定你會比筆者更能欣賞本片；不過，如果你壓根沒聽過P.T.安德森這個名字，只認得預告片裡幾位大牌明星，筆者倒是誠心地建議避開《性本惡》。不過，有一點是不可否認的：P.T.安德森持續展示出自己與同代大導的不同之處，繼續拒絕好萊塢體系規則，拍出忠實於自己的「P.T.安德森作品」。 

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作品表
1996《賭國驚爆》（Hard Eight）
1997《不羈夜》（Boogie Nights）
1999《心靈角落》（Magnolia）
2002《戀愛雞尾酒》（Punch-Drunk Love）
2007《黑金企業》（There Will Be Blood）
2012《世紀教主》（The Master）
2014《性本惡》（Inherent Vice）
如果要選出當今最被推崇的導演，保羅湯瑪斯安德森（Paul Thomas Anderson，以下簡稱P.T.安德森）必定榜上有名。自1996年出道以來，P.T.安德森只拍攝了七部作品，但幾乎每一部都是無懈可擊的傑作，而 2007年的《黑金企業》更被許多影迷稱為「這個時代的《大國民》（Citizen Kane）」，使他被封為當代美國最偉大導演。
P.T.安德森曾被錄取紐約大學的電影系，不過兩天之後就決定退學，「電影學校完全是騙人的。因為你想要的那些信息，你自己就能找到。」就像許多在1990年代出道的大導，如昆汀塔倫蒂諾（Quentin Taratino）和史蒂芬索德堡（Steven Soderbergh），P.T.安德森屬於「VCR generation」的一份子：這一代的導演的共通點是透過錄影帶來學習電影，在觀看大量的電影之後從中取得各式的點子，用自己的想法來過濾這些靈感，最後修煉出自己的風格。他將退還的學費拍攝了短片《Cigarettes & Coffee》（1993），而且此片在聖丹斯電影節放映之後，好萊塢正式向他發出了邀請函。
 
自從他開始了導演生涯，P.T.安德森一直被人們譽為這一代的勞勃阿特曼（Robert Altman）。這位已故的美國大導喜愛帶著頑童般心態來創作，不止題材多樣化，多數作品反映社會文化各面向，時常帶有譏諷意味，鮮少讓人在結局感到和緩與滿足。而P.T.安德森則是被視為這種阿特曼式創作精神的接班人。在 1996年，P.T.安德森完成了第一部長片《賭國驚爆》，一個相當平淡的小格局黑幫片。全片散發一種優雅安靜的氣氛，但同時又帶有憤世嫉俗的邊緣性，而且「沒有人是贏家」的結局，讓人嗅到了一點阿特曼味道。不過，電影公司並不滿意拍攝完的成品，且拒絕P.T.安德森的最終剪接權，直至影片得到了戛納電影節的關注，電影公司才公映P.T.安德森的版本。
 
 
1997 年，P.T.安德森自編、自導了《不羈夜》。P.T.安德森在《不羈夜》使用同樣的阿特曼式手法來描寫1970年代色情片行業，但此片更突出的是它有了阿特曼式的規模。電影裡有十幾個主要人物，而且影片將每個角色生活彼此交織在一起，很明顯P.T.安德森特別對阿特曼同樣描寫1970年代的群體戲傑作《納許維爾》（Nashville，1975）做了筆記。《不羈夜》不只讓觀眾看到阿特曼式的創作精神與野心，也同時展現了馬丁史柯西斯（Martin Scorsese）帶給P.T.安德森在節奏感與風格上的影響，影片充滿了手持穩定攝影（steadicam）、快速追鏡（whip pans）等史柯西斯慣用的技巧。從影片的第一個鏡頭──一個廣受影迷稱頌的長拍鏡頭，觀眾一下子就被帶入《不羈夜》的世界，頹廢、嗑藥、性開放的 1970年代，觀眾可以看到一個又一個的色情業大牌，正在享受其中；然而，到了影片中段，故事急轉而下，《不羈夜》從描述色情片行業的黃金時期變成 1980年代的淪落與空虛。在戲劇上來看，《不羈夜》的劇情結構與史柯西斯最出色的作品《四海好傢伙》（Goodfellas，1990）與《蠻牛》（Raging Bull，1980）有很多相似的地方，都是在描述一群人物的大起大落，戲裡角色們從人生的最高峰跌落至最絕望的低潮。《不羈夜》獲得了空前的成功，不僅得到國內外的多個獎項，而且還獲得了奧斯卡獎的提名。
 
1999年的《心靈角落》贏得了柏林電影節金熊獎，P.T.安德森這次把視角放得更大，企圖通過這部作品來剖析現代都市中人們疏離與傷痛，挑戰阿特曼的《銀色性男女》（Short Cuts，1993）。P.T.安德森仍然採用了《不羈夜》的多線性人物述事以及部分的史柯西斯式風格；不過，如果說《不羈夜》刻意讓觀眾陶醉於影片裡的世界，《心靈角落》的技術表現更側重於其錯綜複雜的人物關係，影片在許多角色之間平行切換，接近三小時的片長裡仍然維持活力的節奏。在戲裡的一場獨白戲，當傑森羅拔茲（Jason Robards）所飾演的角色在承認自己在過去一生中所犯的錯誤時， P.T.安德森將影片切換到其他幾個同樣處於低潮的角色：菲利普貝克霍爾（Philip Baker Hall）患上癌症，飾演她女兒的瑪露娜華特斯（Melora Walters）自我厭惡，約翰萊利（John C Reilly）因犯了一個愚蠢的錯誤而感到羞愧，威廉梅西（John C Reilly）即將犯法，茱莉安摩爾（Julianne Moore）有自殺傾向，湯姆克魯斯（Tom cruise）獨自面對他試圖逃避的過去，和菲利浦西摩霍夫曼（Philip Seymour Hoffman），一個感性的聆聽者。P.T.安德森曾聲稱《心靈角落》是他的最私人的作品，這部傑作也使他邁入了美國一線文藝大導的行列。
 
捨去了廣大視角和人文反思，由亞當山德勒索主演的《戀愛雞尾酒》（2002）大概是他導演生涯最古怪的作品了。這一次，P.T.安德森不再追求群戲，而著力於單個角色的塑造，這樣的戲劇設定延伸到後來的《黑金企業》與《世紀教主》。影片仍然看到一點點阿特曼的影響力，比如P.T.安德森採用了阿特曼《大力水手》（Popeye，1980）裡面的歌曲「He Needs Me」，與強布萊恩（Jon Brion）的配樂搭在一起帶給影片ㄧ種怪異但又令人眩暈的浪漫感；另外，主角巴瑞（巴瑞亞當山德勒飾）的藍色西裝很難不讓人想起《漫長的告別》（The Long Goodbye， 1973）裡的埃利奧特古爾德（Elliott Gould）。不過，除此之外，P.T.安德森開始較少依賴模仿前人，並開始試圖建立自己風格。即使用上了長鏡頭，為了捕捉巴瑞內心抓狂的焦慮感，P.T.安德森採用了異於以往的表現手法。

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個人評分：6/10
本片是好萊塢影星安潔莉娜裘第二部執導作品，有別於一般女演員當導演多半選擇較為小品、文藝的題材，裘莉反而選擇接受高難度挑戰，首次指導作品《愛在血淚交織時》（In the Land of Blood and Honey，2011）便選擇1992年的波黑戰爭，這一次則是改編自美國二戰英雄、奧運長跑好手路易詹帕瑞尼（Louis Zamperini）的傳奇經歷。
就像許多傳記電影一樣，要把詹帕瑞尼的人生製作成電影的題無疑的必是：要如何描寫這位人物？要如何抓對切入點？而且，影片需要涵蓋多少主角的經歷？這些都是至關重要的問題，而且是擔任導演的安潔莉娜裘莉和她的編劇們（包括有參一腳的科恩兄弟），都必須要面對的。
當然，故事本應當是很有感染力的，就像裘莉的前作一樣，都是戰爭片題材，都以角色肉身所承受的巨大壓力為重點，而且空戰場面和戰俘營也相當有大片的風範，可以感受到安潔莉娜裘的用心處理，只可惜本片仍然犯了典型傳記電影的錯誤，便是太過野心，想將主人翁的事蹟一網打盡，近年來最典型的例子是《曼德拉：漫漫自由路》（Mandela: Long Walk to Freedom，2013）。
由於礙於電影的本身形式的關係，傳記電影無法在短短兩三個小時之內交代清楚主人翁的所有細節，所以故事內容往往都需要一定的調整與刪減以便形成一個完整的橋段，如此一來可以造成戲劇性的衝突，二來可以集中整部片的風格主題，避免淪為記流水帳。筆者沒讀過《永不屈服》的原著，所以無法判斷改編的程度，不過單以成品來講，影片試圖涵蓋詹帕瑞尼的前半生經歷，似乎無法做到一定的取捨，到最後每個情節也只達到點到即止的程度，給予人的感覺全片只是由一連串事件所組成的，而不是一個角色的人生歷程。
電影本應該注重在主角在逆境中堅不可摧的精神，但很可惜的，插穿一個又一個主角的經驗都未能深入挖掘詹帕瑞尼這個人的內心，畢竟他幾乎從一開始就被描繪成一個堅不可摧的角色，所以他並沒有角色性格弧線（character arcs）可言。看完影片後筆者稍微google一下，才發現本片與《愛的萬物論》（The Theory of Everything）一樣，主角最有趣的事蹟其實在影片的結束才開始，包括在戰後患上了創傷後壓力症（PTSD），過了許多年才對囚禁他的日本軍官釋懷。從角色描寫來看，詹帕瑞尼這一段戰後的生活是他生命最重要的奮鬥，更值得著墨、更需要更大的篇幅，編導反而放棄這個機會，在結尾只用以短短幾句字幕敷衍了事，殊為可惜。
《永不屈服》是部相當值得尊敬的電影，安潔莉娜裘的誠意也是值得肯定，只是很有潛力的故事仍然不幸地被浪費了。

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個人評分：8/10
筆者看過不少描寫英國低下階層、藍領階級的電影，這些作品裡人物的粗俗程度完全不輸在大西洋對岸的美國，而最新的英國監獄片《超危險人物》維持了這個傳統。它是部激烈、衝擊力十足的作品，就像一顆隨時會爆炸的炸彈，整個故事都在爆發的邊緣，讓影片保持一種壓迫的氣氛。
青少年犯艾瑞克（傑克歐康諾飾）因過度暴力，被移送成年監獄，沒想到因此見到十幾年未碰面一直吃牢飯的父親（班曼德森飾）…
筆者會傾向於把《超危險人物》拿來跟《大獄言家》（A Prophet，2009）比較，即使這兩部電影的劇情發展朝著完全不同的方向。《大獄言家》描述一個情感上會讓人比較容易投入的故事，主角馬里克也是個容易讓人同情的人物；而《超危險人物》的艾瑞克就完全相反，是個無視獄中潛規則的狠角色，從他踏入成年監獄的那一刻便顛覆了觀眾的期待。
本片編劇強納森艾瑟曾在監獄裡做過輔導，所以整部戲描述監獄的生活沒有虛假的感覺。我們第一次見到主角艾瑞克時，他被轉移到新的監獄，被搜身完回到自己牢房就開始準備防身武器，並準備預防任何類型的攻擊。這一個幾乎無對白的低調開場很有趣，相信觀眾不僅會對艾瑞克的監獄生存手段佩服到五體投地，也能從這些細節了解主角的性格：他對監獄生活已習以為常，很久以前就沒再怕了。
當然，暴力是監獄電影不可缺的元素，而《超危險人物》說打就打，完全呈現出近乎原始的簡單暴力風格，許多場面都令筆者不堪目睹。影片這種對監獄生態直接的描寫，讓我們看到這些被關押的囚犯，以憤怒、暴力裝備自己，永遠也無法鬆懈下來，同時也無法控制自己。
縱使《超危險人物》並沒有帶給監獄電影太大的新意，這部由蘇格蘭導演大衛麥肯錫（David Mackenzie）所執導的作品仍然把各種情緒處理得很到位又不會過火。影片中描述的這一段重新建立的父子關係，雖然稱不上是新鮮的題材，不過仍然在避免煽情的情況下讓整部戲滲出絲絲溫情。
當然，這必須歸功於飾演這一對父子的演員。曾演出《生存法則》（Animal Kingdom，2010）的澳洲演員班曼德森以出色演技把這個承認自己無法當一個好爸爸的父親角色演得很傳神；而英倫新人傑克歐康納的表現則讓人可以明白為什麼安潔莉娜裘會找他演《永不屈服》，他演出主角的好勇鬥狠，但同時又挖掘出他創傷性格底下的人性。
《超危險人物》不是一部觀看過程可以很輕鬆的作品，它就像主角艾瑞克一樣，猶如無法馴服的野獸；不過，在螢幕上呈現的以暴致暴、弱肉強食的世界裡，相信觀眾仍然可以看到一絲絲人性的光芒，所以筆者覺得這部影片是值得推薦的，希望觀眾不要因爲缺乏知名演員以及偏激的題材而忽略了它。

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個人評分：8/10
必須先在這裡承認一件事：阿利安卓崗札雷伊納利圖（Alejandro González Iñárritu）不能算是筆者欣賞的導演。筆者總覺得他過度地迷戀於呈現人世間的苦難，從《愛情像母狗》（Amores perros，2000）到《靈魂的重量》（21 Grams，2003），再到《火線交錯》（Babel，2006）與《最後的美麗》（Biutiful，2010），伊納利圖非常陶醉於讓他的觀眾感受到他電影裡人物們所經歷的每一個痛苦，而且影片往往說教味道過重。不過可喜的是，這回伊納利圖開始尋求風格上的改變，《鳥人》不止少了前作的沉重，還添加了不少的喜劇成分。
里根（米高基頓飾）曾經是大銀幕上的超級英雄，但如今只被視為過氣演員。為了演藝生涯中最後一次翻身的機會，他試著自編自導自演一部百老匯舞台劇，但是一連串的考驗逼得他喘不過氣…
由於導演伊納利圖之前接受訪問時批評了現今美漫超級英雄片的現象，觀眾可能會期待本片會是部反諷超級英雄電影的作品。不過，《鳥人》比較想要諷刺的是娛樂性行業。現今的娛樂圈是個高速汰舊的環境，新一代的明星一波又一波的湧出，曾享受過成功滋味的大牌得面臨步入中年、年華老去的焦慮。當觀眾看著里根一步一步走向毀滅，一場意外反而又使他名聲大噪，可見得「名氣」這個東西是多麼虛渺、荒謬；男主角被逼迫面對時間與潮流的推移，試圖不讓自己被洪流淹沒，然而名聲稍縱即逝，沒有什麼是永遠的，那又該抓住什麼呢？自己的價值又在哪裡呢？
在觀看《鳥人》時，實在是無法不將里根作為伊納利圖的代言人，特別是伊納利圖藉由里根道出他對藝術評論（art criticism）的蔑視，如片中藉由主角的口中講出「A man becomes a critic when he can’t be the artist。」（當一個人無法成為藝術家，他便當上藝術評論家。）好吧老兄，我們了解，你不屑評論家。不過，有趣的是當艾瑪史東所飾演的女兒跟里根說「You aren't doing this for the sake of art。」（你做這些才不是為了藝術），不禁讓人懷疑，主角到底是為了證明自己是個沒過氣的演員，還是真的為了對藝術的熱愛？
當你觀看《鳥人》時，你會注意到的第一件事是在鏡頭運作上，影片效仿了亞歷山大蘇古諾夫的《創世紀》（Russian Ark，2002）：整部戲是以一鏡到底的方式來呈現的。不管是在對話、動作，甚至變換場景，攝影機都一刀不剪、如流水般自由地移動。當然，這是通過一些巧妙的剪接技巧和數位技術才可以辦到的，不過片裡也有不少長達數分鐘的戲都很明顯的無剪接，挑戰了攝影師與演員們的能力。單單是《鳥人》總共拍攝只花了29天就相當的令人難以置信。
筆者確實也被這種驚人的嘗試給震撼到了，不過，這種「一鏡到底」的形式是否有幫助故事本身？如果只是運用大量長鏡頭的話還可以說是讓電影增加點真實感的效果吧，但是「一鏡到底」的作法似乎就有點噱頭味太重。畢竟，這只是除了美學以外就無太大實質意義的形式。一部電影──特別是好電影──的鏡頭運作一定有導演自己的原因，它的型式選擇可以突出導演的想法，或者是帶給影片獨特的節奏。但是本片的鏡頭運作似乎是導演執著的自我挑戰多過於服務主題，「一鏡到底」倒是變成一個大型的特技，使得觀眾變成關注於電影的形式多於內容。
演員方面，由曾經演過九十年代的《蝙蝠俠》的米高基頓來扮演戲中過氣的男主角真的是再合適不過了，畢竟里根所經歷的挫折基頓自己可能也曾經面對過。愛德華諾頓或許因為麥克基頓的緣故而被忽略了，不過筆者誠心地認為這是他多年來最傑出的演出，不禁讓人懷疑為什麼他近年來的星運會如此暗淡。
不論是在戲劇、表演、攝影、音樂、節奏，《鳥人》都是值得推薦的。本片稱不上是完美無瑕，不過對筆者來說，導演伊納利圖在不失去以往風格的情況下以喜劇的方式處理本片就值得稱讚了。

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